Crea un muñeco de nieve lo más original posible y preséntalo en la escuela antes del 21 de diciembre.

Presentando tu creación artística entrarás en el sorteo del día 22 de diciembre.

PREMIO DEL SORTEO: ¡LOTE DE NAVIDAD cedido por @decoraelsteussomnis

Después del sorteo, publicaremos todos los muñecos de nieve en el muro de nuestro instagram para que todo el mundo pueda empezar a votar por su favorito. ¡El 8 de Enero haremos recuento de votos y anunciaremos el ganador o ganadora del concurso!

PREMIO DEL CONCURSO:
¡BONO DE 4 CLASES DE RESTAURACIÓN!
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BASES :
– Medidas máximas: 15 cm.
– Plazo de entrega: 21 de diciembre
– El ganador del sorteo se anunciará el día 22 de diciembre.
– El ganador del concurso se anunciará el 8 de Enero, tras el recuento de votos.

Tenemos muchas ganas de ver vuestras creaciones ¡Animaros y participad!

En el número de septiembre de la revista La Fada de Sarrià,

podéis encontrar la entrevista realizada a la directora de Ecore,

Ma. Rosa García Bernet.

Aquí tenéis el enlace para poder leer toda la entrevista. lafadaset13w

Un equipamiento interesante en un taller  de restauración es la mesa caliente, se trata de una superfície de cristal con orificio de extracción en uno de sus extremos o de acero  microperforada en su perímetro, provista de un motor capaz de generar presión controlable en superfície al realizar el vacio,  alcanzando además si se requiere temperatura graduable para activar resinas o colas termofusibles;

Gracias a sus características técnicas puede ser empleada en diversos procesos de conservación/restauración y aplicados a diferentes materiales y bienes;  para realizar reentelados o colocación de bandas en pinturas sobre tejido, para aplanar deformaciones en pinturas sobre tejido o en documentos en soporte papel,  para realizar laminados de refuerzo en documentos, para eliminar o suavizar craqueladuras o grietas en capas pictóricas… i en tantas aplicaciones como quien la usa pueda imaginar.

Sus defensores aplauden la homogeneidad y rapidez con la que permite aplicar los procesos,  misma temperatura en toda la superfície de la obra e idéntica presión en cada centímetro, permitiendo además fundir las resinas en toda la superfície a la vez sin necesidad de insistir y trabajar con espàtulas calientes por zonas alternas de manera manual, siendo pues en medios y grandes formatos muy intersante; sus detractores defienden la poca validez de la presión en capas pictóricas texturadas ya que implicaria posiblemente la modulación de éstas. Hay que pensar también que la temperatura óptima de fusión se puede mantener durante los segundos necesarios aunque sí es cierto que para llegar a ella se someten las piezas a una más larga franja de calor refractario.

La Escuela ECORE apuesta siempre por una continua formación e inversión en las nuevas tecnologías que permitan una conservación mediante la mínima intervención. Aún así, en ocasiones, es necesaria la intervención para proceder a la consolidación y estabilización de la pieza, es por ello que ECORE proporciona el servicio de mesa caliente y de succión. Este servicio que cubre una de las necesidades importantes que venía acusando el sector de la conservación-restauración debido al coste económico que representa para el profesional, la necesidad de espacio y a la necesidad puntual de dicha intervención.

Para más información sobre el servicio de mesa caliente:

info@ecore.ws / 93 301 54 99

*Foto mesa caliente: stem

La restauración del Ecce Homo del Campo de Borja  no deja de generar polémica, pero parece que  la principal, es la naturaleza del repinte con el que la artista Cecilia Giménez pensaba realizar la «restauración artística».

Para poder intervenir una obra de arte, sea cual sea su relevancia, es imprescindible tener en cuenta los criterios de intervención y deontologia de la profesión que ampara la Ley del Patrimonio Cultural para ello y tener la formación adecuada.

Según dichos criterios, el objetivo de cualquier intervención es devolver la función a la obra, conservando  y respetando los materiales originales, reintegrando aquellas partes faltantes sin superponerse al original.  De modo que debe renunciarse a modificar el original en propio beneficio. Los materiales utilizados deben ser reversibles, estables y compatibles con el original.

Para que todo ello sea posible es necesario realizar un estudio previo de la obra, un diagnóstico y toda la documentación  necesaria para testificar el estado de la obra y las actuaciones del profesional.

Es por todo ello, que la restauración no tiene nada de artístico ni de creativo, más bien al contrario, es una profesión científica aplicada al arte.

El desconocimiento de esta profesión y el intento bienintencionado del párroco, llevaron a contratar a una artista en lugar de una persona con la formación adecuada. Así mismo, la señora Cecilia, con toda su técnica artística y buena fe, también desconocia el daño que el repintado podría ocasionar sobre el original.

Desde la Escuela deseamos que este hecho ponga en evidencia un problema social, ético y cultural que es la relevancia de la formación de las personas que intervienen sobre el patrimonio y revalorizar nuestra profesión como parte imprescindible, tanto directiva como ejecutiva en la conservación de nuestro patrimonio.

Mónica Mora Triviño

Diplomada en Conservación y Restauración

Coordinadora de estudios. ECORE

El pasado mes de enero, los alumnos del curso de restauración y conservación de mosaico, hicieron  una intervención de un fragmento del mosaico diseñado por el arquitecto Antoni Gaudí, para la iglesia de Sant Pacià.

Esta iglesia, construida en el 1879, está  situada en el barrio de Sant Andreu (Barcelona) y  es obra del arquitecto Joan Torras i Guardiola.  Este edificio se diseña en un primer momento, como capilla del convento de las monjas de Jesús y María, pasando posteriormente a ser iglesia parroquial.

Al arquitecto Antoni Gaudí se les encargan diferentes obras de decoración del interior del templo, entre ellas el mosaico, el altar mayor, la custodia, elementos de iluminación o  el coro de las monjas, entre otros.

El mosaico que decora el suelo, fué realizado entre el 1879 y el 1881 y  sigue la tipologia del  llamado “opus tesselatum” a la romana, se caracteriza por ser un mosaico formado por piezas o teselas de mármol  y piedras calizas de diferentes colores, en este caso con un diseño de diferentes composiciones geométricas.

El fragmento de mosaico que se intervino era el situado justo a los pies del altar, el cual presentaba grandes problemas por movimientos del terreno que habían dado lugar a levantamientos, agrietamientos con desniveles, descohesión del mortero y teselas, además de importantes pérdidas.

La intervención realizada se ha basado en la fijación y consolidación de teselas, la retirada de morteros y del alquitrán de antiguas intervenciones y la reintegración de las lagunas ocasionadas por la pérdida de soporte.

Antes de la intervención:

Proceso de Restauración:

Después de la Intervención:

El arte de la vidriera no fue ampliamente trabajado en España, como lo fue en otros países de Europa. Sin embargo, existen destacadas obras como la vidriera de la Catedral de León que se fue realizada en el periodo gótico lineal.

El Martirio de San Lorenzo o San Vicente se cree que fue la primera vidriera de España. En la actualidad esta obra se encuentra en Museo Worcester de Massachusetts en Estados Unidos.

En la ciudad de Burgos se encuentran tres vitrales característicos de la transición gótica. Nos referimos a San Pedro, San Juan y San Pablo, los que se pueden ver en el Monasterio de las Huelgas. Se cree que estas vidrieras se realizaron en el año 1200, siendo unas de las más antiguas de España. En ellas se aprecia una gran estilización de las figuras y colores primarios de gran grosor y profundidad.

Hacia el siglo XIII se destacan diferentes catedrales que muestran vidrieras con fondos ornamentales y de colores muy vivos como: Caspe, Palma de Mallorca, Toledo, Sevilla, Zaragoza, entre otras.

Sin embargo, una de las zonas de España que más se destacó en el arte de las vidrieras fue Cataluña, debido a la influencia de muchos artistas franceses que vivían en la ciudad.

Un claro ejemplo de ello son las vidrieras de la Catedral Santa María del Mar de Barcelona, realizadas por Antonio Llonye en el 1460, quien adaptó el estilo de la pintura flamenca al trabajo de las vidrieras.

Catedral Santa María del Mar Barcelona

Cataluña de caracterizó por tener importantes talleres de artesanos del vidrio provenientes de Francia. Dentro de los artistas más destacados se encuentran Serveri Dermasnes y Enrique Alemán.

En Tarragona se encuentra el monasterio de Santes Creus, donde se encuentran las únicas vidrieras de España con estilo cisterciense. Estas son veinte vidrieras grandes con terminaciones de medio punto, en donde los motivos florales son de estilo geométrico y se repiten en cada una de las vidrieras.

Más tarde el trabajo de la vidriera española se reafirmaría con la llegada del Art Noveau y el Art Deco, donde los vitrales logran fundirse completamente con la arquitectura.

Vidrieras Románicas:

Los vitrales románicos se caracterizan principalmente por contar con una sola figura o personaje de rasgos muy marcados. Otra característica son los medallones en los que habitualmente se reproducían escenas de la biblia o la vida de los santos y que podían ser ovalados, cuadrados o redondos y estaban rodeados de una estructura de fierro.

Este arte se expandió por Italia, Francia, Inglaterra y Alemania. Ejemplo de ello son la catedral Le Mans (Francia), la catedral de Augsburgo (Alemania) y la catedral de York (Inglaterra).

Vidrieras Góticas:

En el periodo gótico las vidrieras pasan a tener el protagonismo total en las iglesias, reemplazando en importantes ocasiones incluso a la pintura. La nueva arquitectura construyó grandes capillas con amplios ventanales, donde los vitrales servían también protección, iluminación y el medio iconográfico artístico.

Este periodo se caracteriza por la incorporación de una nueva técnica llamada “el amarillo de plata” que permitía un mayor cromatismo, al pintar los vidrios con diferentes tonos amarillos, suprimiendo los plomos. En esta época también se incorporó el vidrio doblado o plaqué, que daba mayor luminosidad a las catedrales.

Los vitrales más importantes de la época gótica las podemos encontrar en Francia con la catedral de Sainte-Chapelle, que se caracteriza por la perfección de la técnica del vitral. El Rosetón de Francia es uno de los más destacados de esta catedral con su flor de lis dorada, además del vitral del Zodíaco que muestra a un hombre de tres cabezas, simbolizando el pasado, el presente y el futuro.

Catedral Sainte Chapelle Francia

Vidriera Renacimiento:

El Renacimiento fue una etapa de transición, ya que a diferencia del gótico, este arte se vio desplazado por la pintura y la fascinación por la figura humana. El trabajo en los talleres de vidrieras disminuyó de manera importante, siendo prácticamente los talleres de estilo flamenco los únicos que seguían conservando su prestigio.

Respecto a la técnica, este arte comenzó a ser ejercido por pintores quienes utilizaron tonalidades más claras para dar mayor luminosidad a las iglesias. También se aplicó el desarrollo de la perspectiva, dando mayor profundidad de campo a los diseños.

Ya en el siglo XVII y XVIII el arte de las vidrieras comienza a decaer, los diferentes conflictos religiosos de la época terminaron por acabar con este tipo de arte. Sin embargo, en el siglo XIX con la llegada del romanticismo y su mirada nostálgica hacia el pasado el vitral experimentará un resurgimiento.

Vidriera en el S. XX

Con la llegada del modernismo el arte de las vidrieras se consolidó, creciendo hasta llegar a los talleres de autor que impregnaban las obras con su propio sello. La arquitectura incorporó materiales de cemento, hierro y acero, abriendo nuevos espacios para el arte de las vidrieras, las que se incorporaron en casas y edificios civiles.

Dentro de los artistas que se han destacado en el ámbito del vitral encontramos a Fernand Léger quien diseñó los vitrales de la iglesia del Sagrado Corazón, de Audincourt. También se encuentra Marc Chagall famoso por los vitrales del Hadassah-Hebrew University Medical Center, en Jerusalén.

El arte de las vidrieras o vitrales data de la antigüedad y por muchos años fue desarrollado por los monjes de las iglesias, con técnicas que se mantuvieron hasta el siglo XIX.

Hace más de seis mil años la antigua civilización egipcia ya había comenzado a experimentar el trabajo del vidrio, desarrollando los primeros recipientes y los esmaltes cerámicos. Tiempo después, en Pompeya los romanos hicieron uso de una técnica llamada “soplar el vidrio” para formar piezas que encajaran en las ventanas de sus construcciones.

Ya en el periodo del arte Bizantino comienza a destacarse el trabajo de los vidrieros, es una época que se caracteriza por los bellos mosaicos de emperadores y escenas del cristianismos en las basílicas e iglesias. Sin embargo, el trabajo de los vidrieros no estaba muy desarrollado y se basaba sólo en formas geométricas.

El verdadero arte del trabajo de vidrio se puede apreciar desde la época de la construcción de Catedral de Augesburg en Alemania en el siglo XI y más tarde con catedrales como Chartres o Canterbury.

Catedral de Augesburg

Catedral de Chartres (agradecimiento antonio vazquez)

En el siglo XII se produce una verdadera revolución para el arte de las vidrieras, ya que sale a la luz el tratado del monje benedictino alemán Teófilo, en el cual se encontraban todas las técnicas de pintura sobre vidrio, materiales, producción, colores, etc.

El libro explicaba que los elementos necesarios para la pintura de vidrieras eran arena, sal y cenizas. Además al añadirse óxido de diferentes metales se comenzaban a formar los colores del vitral. Por ejemplo, se utilizaba hierro y plata para el amarillo, para el rojo y verde se necesitaba cobre y para el azul se empleaba el cobalto.

Antes de aplicar la pintura se debía utilizar un molde de cartón y luego cortar los vidrios según el molde. Una vez cortados los vidrios se unían con miel de abeja y luego con varillas de plomo se formaban los paneles que finalmente eran instalados en los ventanales de fierro.

Como podemos ver el arte de las vidrieras por mucho tiempo estuvo ligado a los monjes, quienes para dar mayor luz a las catedrales preferían utilizar vidrios casi incoloros. Las técnicas desarrolladas por este monje alemán sorprendentemente fueron utilizadas casi sin variaciones hasta el sigo XIX.

A continuación revisaremos brevemente el proceso de restauración:

1-. Limpiar bien las piezas que se van a encolar y lijarlas.
2-. Si las piezas a encolar son de pequeñas dimensiones, emplearemos el pincel para aplicarles la cola; en caso contrario, se usara la espátula ( la cola se extiende siempre en las dos superficies).

3-. La capa de cola extendida sobre la superficie de la pieza debe recubrirla por completo, pero nunca debe ser superabundante; el exceso se eliminara inmediatamente.

4-. Una vez que se ha extendido la cola sobre las partes a encolar, hay que hacerlas encajar a la perfección, manteniendo su posición mediante una mordaza, a ser posible de madera. Si no disponemos de ella, emplearemos una mordaza metálica clásica o sargento de apriete; en dicho caso, colocaremos un pedazo de listón entre la herramienta y la pieza, para no dejar marcas en la madera.

5-.Para asegurar los ángulos encolados de una silla o de un cajón, se emplea una cuerda resistente, que tensaremos en torno a la pieza; es decir; alrededor del fondo de la silla o del cajón; para no dañar las aristas con la cuerda tensada, podemos insertar falcas de madera, dos en cada ángulo.

6-.Para asegurar superficies angulares oblicuas, por ejemplo la cornisa superior de un armario, existe un tipo de muelle que puede aplicarse después del encolado mediante la correspondiente tenacilla. (las mordazas o aprietes deben aplicarse por lo menos durante ocho horas).

7-. Cuando nos encontramos con el problema de un mueble con partes podridas e irrecuperables, trabajaremos con los injertos; los cortes se harán en ángulo para obtener una buena adherencia y la mayor solidez de los injertos, que se molduraran perfectamente complementarios.

Si buscas profundizar esta información contáctate con nuestra escuela de restauración en Barcelona y averigua sobretodos los cursos de restauración y conservación que tenemos para ti.